“We did not invent photography here in the US, but we made it our own and this is a show which kind of begins to tell that story, or stories.” Jeff Rosenheim, inaugurazione della mostra THE NEW ART AMERICAN PHOTOGRAPHY 1839-1910.

Forse non avrei colto tutto il senso di questa frase apparentemente semplice, se non fossi arrivato quasi direttamente da Vienna, dove ho trascorso tre giorni immerso nella storia della fotografia austro-ungarica dell’Ottocento. Che contrasto incredibile tra le esposizioni dell’Albertina, i ritratti solenni della corte degli Asburgo e le fotografie etnografiche degli esploratori austriaci e ungheresi, in competizione con altri europei per essere i primi a esplorare territori ostili e climi difficili.

Proprio per questo, forse, ho notato la singolarità di ciò che manca in questa mostra—o meglio, l’assenza di vincoli che dona a questa collezione una sensazione di libertà individuale, raramente vista nell’allestimento e nella selezione delle immagini.

Infatti, non si percepisce alcun peso dinastico o lettura politica: nessuna etichetta di corte, nessuna lotta di classe né nelle immagini né nel modo in cui sono presentate.

C’è qualche rappresentazione delle grandi famiglie del New England nella sala dedicata alle fotografie su carta—questa tradizione europea del calotipo e della stampa su carta non si è diffusa molto in America prima dell’arrivo del collodio intorno al 1860, tranne che nelle regioni di Boston e di Philadelphia.

La mostra è suddivisa in tre sale secondo le pratiche dei primi fotografi; una classificazione che in Europa sarebbe forse impensabile, ma che qui ha molto senso, perché, anche se ce ne siamo dimenticati, le fotocamere si sono evolute molto e ogni tecnica ha prodotto immagini con una propria specificità e unicità. La prima sala è dedicata ai dagherrotipi, agli ambrotipi e ai ferrotipi—tre famiglie di fotografie su supporto rigido, immagini che non sono né positive né negative, ma dirette, che solo una certa inclinazione della luce e il controllo dell’ambiente o di uno sfondo nero permettono all’occhio umano di ricostruire come visione positiva.

Qui va detto che il museo newyorkese ha realizzato un allestimento che è una meraviglia di leggerezza e intelligenza per la visione dei dagherrotipi. Sicuramente, le restrizioni di budget hanno evitato soluzioni molto costose a favore di un risultato molto più raffinato.

La seconda sala è dedicata alle fotografie su carta. I calotipi americani degli anni 1850 sono rarissimi e le pratiche sono molto diverse da quelle europee. Tuttavia, queste immagini documentano la costruzione o la ricostruzione del paese dopo la Guerra Civile e il grande bisogno di infrastrutture a partire dagli anni 1860, con un’estetica propria di questa conquista del territorio.

La terza sala è dedicata al formato carte de visite e alle fotografie stereoscopiche—un formato che scomparirà quasi del tutto dopo il 1910 e che ha permesso di documentare la grande storia degli Stati Uniti. È sicuramente il campo in cui la competizione tra collezionisti è più accesa, perché il numero di carte stereo e carte de visite si conta in milioni, e solo una pratica esperta, unita a una volontà ferrea di selezionare secondo il proprio gusto o criteri ben definiti, ha permesso a William Schaeffer di costituire una collezione in cui queste immagini, di reputazione modesta, trovano tutto il loro valore nel dipartimento fotografico diretto da Jeff Rosenheim.

Ancora una volta gli americani avevano cooptato la carta di visita di Disderi e il formato stereo a proprio uso e consumo.

Molte fotografie, in particolare i dagherrotipi, non hanno né artisti/operatori né soggetti identificati.

Eppure le didascalie della mostra sono precise e assolutamente affascinanti, invitando il visitatore a riflettere accanto a chi ha descritto e documentato questi oggetti.

Molte fotografie, in particolare i dagherrotipi, non hanno artisti o operatori identificati, né tantomeno soggetti riconoscibili. Eppure le didascalie sono scientificamente accurate e assolutamente affascinanti, invitando il visitatore a riflettere insieme a chi ha cercato di descrivere e documentare l’oggetto. Che incoraggiamento per le nuove generazioni vedere che esiste ancora almeno un museo al mondo dove si rischia di mostrare cose mai viste, dove si ha il coraggio di dire che non si sa esattamente cosa sia un oggetto, ma si cerca comunque di spiegarlo—e, in ogni caso, è bello! Dove si valorizza una collezione privata grazie al sostegno di pochi individui, insomma, dove la parola “conservatore” non fa rima con “conservatore”.

Proprio come Tocqueville aveva compreso la differenza tra Europa e America, questa mostra illustra, attraverso la fotografia, quelle stesse differenze. Se Tocqueville vedeva nell’America una società senza pesi dinastici, senza deferenza verso le élite, qui la fotografia americana si emancipa dalle tradizioni europee e diventa uno specchio fedele della società democratica e dell’individualismo.

Questo approccio democratico alla storia della fotografia rende la mostra particolarmente americana nello spirito: celebra sia gli studi d’élite, con i loro “colorati arazzi di velluto, soffitti affrescati, lampadari a sei luci”, sia “l’operaio comune che desiderava solo un semplice ritratto”. È la perfetta incarnazione dell’affermazione di Jeff Rosenheim: “Non abbiamo inventato la fotografia qui negli Stati Uniti, ma l’abbiamo fatta nostra”.